Zaha Hadid. Deconstructivismo arquitectónico

Fue una de las arquitectas más afamadas e influyentes de finales del siglo XX e inicios del siglo XXI.

Nació en Bagdad (Iraq) en 1950 en el seno de una familia islámica y murió de un infarto en el año 2016 en Miami (Estados Unidos). Se consideraba anglo-iraquí. 

Antes de dedicarse a la arquitectura, cursó estudios de Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut (Líbano). Posteriormente se trasladó a vivir a Londres donde estudió en la Architectural Association de esa ciudad. Allí obtuvo su diploma en 1977. 

Cuenta con numerosos premios, entre otros con el prestigioso PRITZKER (2004). Fue la primera mujer arquitecta que ostenta este galardón, considerado como una especie de Premio Nobel de Arquitectura por su importancia. También fue nombrada Dame –el equivalente a Sir en femenino- por la reina Isabel II. 

De personalidad carismática y arrolladora, no se conformó solo con sus proyectos arquitectónicos. Su visión omnicomprensiva de la creación artística, y nada jerárquica entre todos los ámbitos del arte, le llevó a diseñar todo tipo de objetos desde mobiliario hasta cerámica pasando por joyería, objetos domésticos, y por supuesto, moda (zapatos, vestidos). Para ella sus diseños eran una extensión de su labor de arquitecta. También fue pintora así como profesora en Harvard, Chicago y Nueva York entre otras universidades. 

Abrió su estudio de arquitectura en Londres en 1980 y poco después ya tuvo un rotundo éxito con un hotel muy futurista de Hong-Kong. 

Como Frank O. Gehry, del que era muy amiga, su arquitectura es muy esteticista y de vanguardia. Nos remite a diseños inspirados en la naturaleza y por lo tanto, orgánicos. 

Ha sido vinculada a la Deconstrucción, como mostró el MoMA de Nueva York en una exposición llamada Deconstructivist Architecture en 1988. Recordemos que la Deconstrucción parte de complejas reflexiones filosóficas y literarias –debidas al filósofo francés Jacques Derrida- y se ha plasmado en ámbitos tan diferentes como el arte o la cocina (ej. Ferrán Adriá). Inspirados en las reflexiones de la teoría literaria de de la Deconstrucción, algunos arquitectos comenzaron a desmontar los procesos de diseño y empezaron a realizar proyectos aparentemente irrealizables contradiciendo las convenciones del diseño y de la industria. Ayudados por nuevos programas de diseño y mejores computadoras y materiales de construcción llegaron a desarrollar las desestructuradas estructuras que hoy se pueden apreciar. 

La Deconstrucción es simultáneamente anticlásica y antifuncionalista, va más allá de cualquier propuesta arquitectónica anterior, puesto que niega los principios tradicionales básicos de la historia de la arquitectura: estabilidad, unidad, armonía… En definitiva, la arquitectura deconstructivista se caracteriza por el hecho de que la obra no aparece como un todo sino como un montaje de piezas. 

También ha realizado proyectos como urbanista (Seúl, Corea del Sur) y ha diseñado mobiliario urbano. 

Entre sus influencias cabe destacar el arte de vanguardia, el arte abstracto geométrico ruso: Constructivismo y Suprematismo, en particular de Malevich. 

Características de su de su arquitectura: 

• Fue evolucionando desde sus proyectos arquitectónicos basados en formas angulosas y rectas hacia un mayor uso de la curva, las espirales, las líneas sinuosas y la geometría fragmentada característicos de la arquitectura deconstructivista. 
• Ha sido denominada la “reina de la curva” por las formas ondulantes y geométricas de sus diseños. Son líneas aerodinámicas que transmiten sensación de movimiento y velocidad. 
• Gusto por las líneas fluidas. 
• Sus diseños son únicos, de formas complejas, casi imposibles, muy esteticistas. Son edificios-esculturas volumétricos, en definitiva, obras de arte. 
• Busca innovar y sorprender. Su máxima era “romper los límites de la arquitectura”, es decir, convertir los edificios en paisaje y repensar los límites físicos y formales de las construcciones. 
• Ha construido sobre todo espacios públicos como bibliotecas, salas de concierto y museos. Quiere que su arquitectura engrandezca, que aporte experiencias a los usuarios. Mejorar la vida de todos.

Edificios 

Esta legendaria arquitecta tuvo una carrera muy prolífica y de hecho realizó más de treinta edificios diseminados por Asia, Estados Unidos, Europa, etc. 

Entre sus proyectos más memorables podemos destacar: 

• El Restaurante Moon Soon en Sapporo (Japón), de 1990: diseña tanto el edificio como los muebles y la decoración de interiores. 
• Vitra Fire Station (Weil am Rhein, Alemania, 1990-93): en este parque de bomberos utiliza volúmenes livianos de formas puntiagudas y angulosas. Busca integrar el edificio con el paisaje. 
• El Pabellón Puente construido para la Expo de Zaragoza de 2008. Es una de las obras más representativas de su carrera, muy compleja, que aúna ingeniería con arquitectura y el diseño interiores de un espacio de reflexión colectiva sobre el agua y el desarrollo sostenible. 
• El Museo Nacional de Arte del Siglo XXI en Roma (MAXXI), 2009: de formas serpenteantes inspiradas en las aguas del río de Roma, el Tiber. Las paredes curvas que acaparan la atención de los visitantes no solo son usadas para ser expuestas en el interior, sino también en el exterior, con murales, proyecciones o instalaciones. 
• Heydar Aliyev Center en Baku (Azerbaiyán), 2013: es uno de sus proyectos más espectaculares y elegantes. Es un centro cultural (museo, sala de conferencias, etc.) 
• El Centro Acuático en Londres para las Olimpiadas del año 2012. Tiene forma de una ola del mar. 
• El edifico Opera House de Guangzhou en China (2003-2010): es uno de sus proyectos más impresionantes por su espectacularidad, dimensiones y monumentalidad. 
• El Hotel Puerta de América de Madrid: es un hotel de cinco estrellas, único en el mundo porque fue diseñado por diecinueve de los más destacados arquitectos del mundo, entre ellos tres premios Pritzker : Norman Foster, Zaha Hadid y Jean Nouvel. 
• Algunos de sus edificios son póstumos. Varios se estaban construyendo cuando se produjo su fallecimiento como un estadio en Qatar para la FIFA World Cup del año 2022. 

Además, en el 2000 inauguró la serie de pabellones temporales de la Serpentine Gallery en Hyde Park, en Londres, que desde entonces se ha convertido en un hito arquitectónico mundial. A lo largo del tiempo, ha insistido en el diseño de interiores, eventos, mobiliario, zapatos y joyas.

Centro Cultural Heydar Aliyev ,Bakú, Azerbaiyán, 2012

El diseño del Centro Cultural de Heydar Aliyev establece una relación fluida entre la zona de plaza exterior y el interior del edificio. La topografía de la plaza se va elevando lentamente de forma fluida formando ondulaciones y pliegues que finalmente crean el espacio del Centro Cultural. 

Uno de los puntos más destacables del proyecto y que ha sido un reto en el proyecto ha sido la piel del edificio. Se debía lograr una superficie continua y homogénea que requirió el uso de sistemas avanzados de control y comunicación entro los intervinientes en el proyecto. 

La estructura del Centro Cultural Heydar Aliyev combina una estructura de hormigón con una estructura espacial para lograr grandes espacios sin la necesidad de pilares vistos que interrumpan los grandes espacios. Esta estructura se coloca en la envolvente y en el muro cortina.

Las costuras entre paneles dan idea de la escala del proyecto y refuerza la idea de su geometría fluida. El uso de estos paneles da solución a los aspectos técnicos de la obra como manipulación y transporte y a cuestiones técnicas como dilataciones, respuesta ante el sismo… 

Para marcar la relación entre interior y exterior la iluminación del centro juega un papel importante. La iluminación permite una lectura diferente del edificio durante el día y la noche. Durante el día el edificio produce reflejos de luz que se van modificando a lo largo de las horas del día, el vidrio reflectante no permite ver nítidamente su interior. Durante la noche el edificio se transforma y se muestra la iluminación interior del edificio mostrando claramente todo su interior y manteniedo la fluidez interior y exterior. 

Centro Cultural Heydar Aliyev ,Bakú,  Azerbaiyán

Video

Recursos

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-310432/centro-heydar-aliyev-zaha-hadid-architects

Palacio de la ópera de Canton, China

Centro acuático de Londres

Estación de Congresos, Viena

Museo de Montaña, Dolomitas, Italia, Zaha Hadid

Galaxy Soho en Beijing, China. 

Danjiang Bridge. Zaha Hadid Architects, en curso (Taipei, Taiwán)

OBRAS EN ESPAÑA
En España tiene 3 obras construidas: el pabellón puente de Zaragoza, el edificio anexo a las bodegas Viña Tondonia en Haro (La Rioja) y la estación de Euskotren en Durango (Vizcaya) 

Pabellón Puente, Zaragoza

Pabellón Puente, Zaragoza

Bodega Viña Tondonia, Haro, La Rioja

Estación de Durango

Trabajo para presentaciones en las pasarelas para Chanel

FRANK GHERY. Deconstructivismo arquitectónico

Frank Gehry, Toronto, Canadá, 1929

Frank Gehry está considerado como uno de los arquitectos más importantes e influyentes del mundo, y es internacionalmente célebre por su arquitectura personal, que incorpora nuevas formas y materiales y es especialmente sensible con su entorno. El Museo Guggenheim Bilbao es una de sus obras más conocidas.

Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edifico o la integración de éste en el entorno.

En reconocimiento por su labor, Gehry recibió en 1989 el prestigioso premio de arquitectura Pritzker, comparable al premio Nobel.

En la actualidad, su estudio, Gehry Partners LLP, está ubicado en Los Ángeles y Gehry continúa diseñando y dirigiendo proyectos para clientes de todo el mundo.

Museo Guggenheim de Bilbao

Museo Guggenheim de Bilbao, 1991-1997.

Ghery, en este edificio recoge todos los principios del Deconstructivismo y se convierte en un icono. 

El Museo Guggenheim ha jugado un papel fundamental en la revitalización urbanística y en la transformación de la zona, además de convertirse en el símbolo de la ciudad de Bilbao. 

El edificio constituye un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX y representa en un hito arquitectónico por su diseño innovador tanto en el exterior como en los espacios interiores, conformando un seductor telón de fondo para la exhibición de arte contemporáneo. La visita se puede realizar tanto por el interior como por el exterior del edificio.

El diseño del edificio sigue el estilo de Frank Gehry. Inspirado en las formas y texturas de un pez, se puede considerar una escultura, una obra de arte en sí mismo. 

Las formas no tienen ninguna razón geométrica ni se rigen por ninguna ley. El museo es fundamentalmente una cáscara que evoca el pasado industrial y la vida portuaria de Bilbao, sus industrias tradicionales, metalúrgica y naviera están presentes en los materiales y las formas: titanio y acero, velas desplegadas, barcos, un pez inmenso….

Se compone de una serie de volúmenes interconectados, unos de forma ortogonal recubiertos de piedra y otros de forma orgánica cubiertos por una piel metálica de titanio, que recuerdan imágenes de Metrópolis, con sus pasarelas y puentes atravesando el espacio. La conexión entre volúmenes está dada por la piel de vidrio. El museo se integra a la ciudad tanto por su altura como por los materiales empleados. Al encontrarse por debajo de la cota de la ciudad, no sobrepasa al resto de los edificios. La piedra caliza, de tono arenoso, fue especialmente seleccionada para este fin. Visto desde el río, la forma del edificio se asemeja a un barco, mientras que visto desde arriba posee la forma de una flor con tonos que cambian según la hora del día, pasa de tonos celestes a un brillo deslumbrante al mediodía, de un ocre a un rojizo al atardecer.

Otros edificios del arquitecto son: Bodegas Marqués de Riscal, en La Rioja, 2008, Casa Danzante en Praga, el nombre original de esta casa es Fred and Ginger por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers, Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles, Fundación Louis Vuitton, París, 2014.

Bodegas-hotel Marqués de Riscal, El Ciego, La Rioja

Casa danzante. Praga.

Salón de Conciertos de Walt Disney, Los Ángeles.

Pez Dorado, paseo marítimo de Barcelona

Fundación Louis Voitton, París. Fran Ghery

Norman Foster

Norman Foster, Manchester, 1937

Estudió arquitectura en la universidad de Manchester y obtuvo después una beca para proseguir sus estudios en la Universidad de Yale. Es uno de los arquitectos contemporáneos con mayor renombre y reconocimiento internacional.

Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por un estilo «high-tech» muy pronunciado, influido también por los criterios de su socio Rogers. Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece en buena parte ese carácter técnico llevado al extremo. En todo caso, los proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial, en el sentido de que emplean en los edificios elementos que se repiten multitud de veces, por lo que son fabricados en lugares alejados de la obra. Frecuentemente se diseñan componentes para un edifico ex profeso, reflejando con ello un estilo de buena manufactura. 

Foster recibió el título de Sir en 1990 y se le confirió la Orden de Mérito en 1997. En 1999, La reina Isabel II le otorgo el título nobiliario vitalicio de Barón Foster de Thames Bank. 

También ha recibido varios premios importantes de arquitectura, como la medalla de oro del instituto americano de arquitectura y, en 1999, el prestigioso premio Pritzker. 

Actualmente, el estudio de Foster y sus asociados tiene oficinas en Londres, Berlín y Singapur, con una plantilla de 500 personas. 

Ha evolucionado suavizando las formas agresivas del High Tech a una estética minimal, a una arquitectura futurista, de aparente sencillez y simplismo que en realidad proviene de la obra de Mies Van Der Rohe, cuya influencia se observa en toda su obra. Sus proyectos llevan un marcado sello, empleando en sus edificios elementos que se repiten multitud de veces.

Fusiona el racionalismo y el organicismo. Trabaja con materiales, tecnología e informática de última generación. Lo mismo construye museos, puentes, aeropuertos, estadios de fútbol que proyectos para transformar ciudades.

Destaca por las complejas formas, el empleo de las superficies curvas y de un enorme abanico de materiales constructivos. Desde principios de siglo ha evolucionado hacia una arquitectura más suave de líneas y a construcciones donde aplica los principios Eco-Tech

Obras destacadas

Algunos de sus edificios de gran complejidad son la terminal del aeropuerto de Stansted en Essex (Gran Bretaña, 1991) y las oficinas centrales de la Hong Kong and Shanghai Banking Corporation en Hong Kong (1986), considerada por muchos críticos como su obra maestra. 

Sede del Banco Nacional de Hong Kong, Norman Foster, 1986. Estilo High Tech

Norman Foster ha convertido la creación de edificios en obras de arte, revolucionado la forma de entender la arquitectura.

Es un arquitecto que comprende que los lugares donde vivimos y trabajamos tienen una gran influencia sobre las personas y el medio ambiente, que los espacios urbanos son determinantes en nuestra calidad de vida. Sus diseños destacan por aprovechar al máximo el uso de la tecnología en busca de una mayor eficiencia energética, la extraordinaria integración en el entorno, la creación de un ambiente agradable para el usuario.

Edifício Hearst

Edifício Hearst, Manhattan 1º edificio eco. Norman Foster. Eco-Tech

Este edificio fue concebido como un llamativo rascacielos de acero y cristal que consagra una cantidad de hitos relacionados con el medio ambiente y el diseño. La Torre Hearst se convirtió en auténtica pionera en la sustentabilidad medioambiental, después de haber sido declarada el primer edificio de oficinas “ecológico” de la ciudad de Nueva York.

Torre 30 St Mary Axe, 2004

Pepinillo”, Torre en la City, Londres, Norman Foster

Conocido popularmente como El pepinillo –The Gherkin– y con un notable parecido a la Torre Agbar de Barcelona, este rascacielos inteligente se erige hasta los 180 metros de altura como el segundo edificio más alto de la City tras la Tower 42. 

Su nombre oficial es la torre de Swiss Re, por la reaseguradota suiza que allí tiene su sede, o 30 St Mary Axe, por la dirección en que está emplazada, aunque los londinenses siempre se refieren a ella como "el pepinillo", "el puro" o incluso "el supositorio". 

La torre se comenzó a construir en media hectárea del corazón financiero de Londres, en el lugar donde antes estaba la Bolsa del Báltico, un edificio victoriano que fue objetivo de un atentado del Ejército Republicano Irlandés (IRA) en 1992. 

El original rascacielos, uno de los más altos de Londres, que tiene 40 pisos y 180 metros de altura, es respetuoso con el medio ambiente, pues consume un 50 por ciento menos de energía que un edificio de oficinas tradicional. 

Su estructura básica es una rejilla de acero de celdas triangulares, recubierta con vidrio de colores oscuros y claros que crean distintivas espirales ascendentes -especialmente llamativas de noche-, y prácticamente carece de columnas internas. 

Tiene capacidad para alojar a 4.000 empleados que, a diferencia de otros muchos rascacielos, pueden abrir las ventanas de la torre y tienen oficinas ordenadas como una espiral, lo que, según su autor, permite una mayor sensación de espacio. 

Además, el pepinillo más famoso de Londres es un edificio construido bajo criterios ecológicos. Y es que precisamente gracias a su forma, que permite la entrada de la luz natural, reduce terriblemente el consumo energético y los costes de iluminación. También se mejora la circulación del aire, aprovechando la ventilación natural en los espacios interiores con conducciones que sirven para el enfriamiento en verano y la calefacción en invierno. Este control del microclima interno y las soluciones de ahorro energético han conseguido una reducción del 50%, en cualquier caso necesaria para un edificio de este tamaño.

Great Court, The Brithis Museum

Great Court, The Brithis Museum, reforma de Foster

Diseñado por Foster and Partners, transformó el patio interior del Museo en la plaza pública más grande cubierta de Europa. Es un espacio cerrado por un espectacular techo de cristal con la mundialmente famosa sala de lectura en su centro.

Millenium Bridge, Londres

Ampliación del Reichstag (parlamento alemán) en Berlín. Cúpula del Reichstag

Interior de la cúpula del parlamento de Berlín

Zayed National Museum, Abu Dabi

Intervención en la ampliación del Camp Nou, Norman Foster

Metro de Bilbao

Bodegas Portia, Gumiel Izán, Burgos

Recursos:
WipiArquitectura: Norman Foster
El mapamundi de Sir Norman Foster

Ansel Adams

 Ansel Easton Adams,1902-1984

Nació en San Francisco, California.  Creador del sistema de zonas y conocido mundialmente por sus fotografías de paisajes en blanco y negro del parque nacional Yosemite en Estados Unidos.

Escribió varios libros de fotografía entre los que merece la pena destacar sus manuales de instrucción técnica: La Cámara, El Negativo y La Copia.

Adams fue un experto en el control de la exposición fotográfica. Su conocimiento fue tan profundo que le llevo a desarrollar su teoría sobre el sistema de zonas, método de exposición que permite de conseguir la exposición deseada de forma precisa.

Una clara característica de la fotografía de Adams es la gran profundidad de campo. Los diafragmas cerrados le permiten captar con detalle todos los elementos en sus fotografías.

El sistema en cuestión se basa en el hecho de que el fotómetro de la cámara siempre evalúa la zona medida como un gris medio. El fotógrafo debe aumentar o disminuir la exposición para compensar el exceso, o defecto de luz y conseguir así el resultado deseado.

Empleó la técnica del sistema de zonas, de la que fue pionero: un fotómetro determinaba el gris medio de una imagen y le ayudaba a elegir en qué zonas emplear ese tono con mayor claridad u oscuridad. Su defensa del detalle y de una estética naturalista le llevó a fundar en 1932, junto a Edward Weston e Imogen Cunningham, el f/64: colectivo que seguía los principios de trabajo que había impulsado Paul Strand y que hundía sus raíces en el trabajo de Timothy O’Sullivan, prominente fotógrafo americano que, en la segunda mitad del s XIX, abordó en sus trabajos la crueldad de la Guerra Civil en el Oeste de Estados Unidos.

En 1953 por cuestiones económicas comenzó a hacer fotografía comercial y trabajó para marcas como Kodak, IBM o AT&T.

Adams fue un ecologista convencido, su amor por la naturaleza y especialmente por el parque Yosemite hizo que su obra girase en torno a esta temática. Sus imágenes son hoy en día auténticos símbolos de América.

Entre finales de los años veinte y finales de los sesenta, Adams hizo cientos de fotografías de Yosemite Valley, a menudo queriendo evocar su vastedad y su sublime grandeza. 

Algunas de sus imágenes más celebradas son Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979) y entre sus numerosos libros sobre fotografía ha ganado relevancia con el tiempo la trilogía de manuales técnicos sobre la cámara, el negativo y la copia.

Iglesia de Adams, Taos, Pueblo, 1942

Paisaje

Redwoods, Bull Creek Flat, Northern California, 1960

Cine español: Garci, Trueba, Fernán Gómez, Almodóvar, Amenábar, Alex de la Iglesia

Tras la dictadura franquista, España comenzaba a abrirse paso al mundo con un nuevo modelo democrático de libertades, lo que supuso también un impulso para el cine autonómico.

Los años 80 comenzaron con los acuerdos entre cine y televisión (TVE) para adaptar grandes obras de la literatura y con la llegada de la realizadora Pilar Miró a la Dirección General de Cinematografía, protegiendo el cine de autor y proporcionando una nueva política de subvenciones llena de controversia, con su Ley del Cine.

También se crearon los primeros nacionales de cinematografía, los Goya, en 1986.
PRINCIPALES DIRECTORES ESPAÑOLES:

• JOSÉ LUIS GARCI
• FERNANDO TRUEBA
• FERNANDO FERNÁN GÓMEZ
• PEDRO ALMODÓVAR
• ALEJANDRO AMENÁBAR
• ÁLEX DE LA IGLESIA.

José Luis Garci (1944)

Es un productor, crítico, autor literario, guionista y director de cine español.

En 1983 ganó el primer Óscar para una producción española a la mejor película de habla no inglesa por Volver a empezar. Ha sido nominado para esta misma distinción otras tres veces, más que ningún otro director de cine español, por las películas: Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987) y El abuelo (1998). 

Es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. 

En sus primeras películas había un deseo de transmitir la realidad social que acontecía en la España de la transición, después evolucionó hacia un estilo teatral y lleno de diálogos.

“Volver a empezar” (1982), película con la que consiguió el Oscar al mejor film extranjero. 

Argumento:

Miguel Albajara es un famoso escritor gijonés que vive en San Francisco (EEUU) tras un largo exilio de cuarenta años. Acaba de recibir el Premio Nobel de Literatura, y antes de regresar a la Universidad de Berkeley donde imparte clases de Literatura Medieval, hace una escala en su Gijón natal. Allí empieza a evocar su juventud, y sobre todo vuelve a encontrarse son su primer amor Elena. Ambos recorren Gijón y gran parte de Asturias para recordar el gran amor que vivieron cuando eran jóvenes. Tras unos días juntos se dan cuenta que siguen enamorados como si no hubiera pasado el tiempo. Después de todo Albajara acaba volviendo a Estados Unidos para seguir dando clases en la Universidad de Berkeley.

“Sesión continua” (1983), un título que no logró funcionar en taquilla pero que volvió a ser elegido por la Academia de Hollywood como candidato al Oscar.“Asignatura aprobada” (1987), película por la que ganó el premio Goya al mejor director y por la que optó de nuevo al premio Oscar.

Fernando Trueba, Madrid, 1955

Es un director de cine, guionista y productor español. 

Se dio a conocer con su primera película, llamada Ópera prima (1980) iniciadora de la comedia madrileña de los 80.

En 1985 alcanzó la fama con la comedia Sé infiel y no mires con quien.

Al año siguiente rueda El año de las luces, que ganaría un Oso de Plata del Festival de Berlín.

En 1992 su película Belle Époque fue premiada con nueve premios Goya. Y en 1993 este filme fue galardonado con el Premio Óscar a la mejor película de habla no inglesa.

En el 1994 dirigió Two Much con Antonio Banderas, Melanie

Griffith y Daryl Hannah (1998).

Trueba alcanzó otro resonante éxito con La niña de tus ojos, película protagonizada por Penélope Cruz que consiguió siete Goyas, entre ellos el Goya a la mejor película.

Fernando Fernán Gómez (1921-2007)

Fue un escritor, actor, guionista y director de cine y de teatro 
español. Polifacético, querido y respetado por los profesionales de la industria y por varias generaciones de espectadores. 
Desde 1947 trabajó a las órdenes de los más destacados directores del cine español: Edgar Neville, Carlos Saura, Mario Camús, Víctor Erice, Ricardo Franco, Manuel Gutiérrez Aragón, Jaime de Armiñán, Gonzalo Suárez, Juan Antonio Bardem o Luis García Berlanga.
Todas estas interpretaciones le hicieron aumentar su prestigio, consiguiendo el Oso de Plata del Festival de Berlín al mejor actor por su interpretación en El anacoreta y Stico.
A partir de la década de los cincuenta comienza a dirigir, realizando, entre el cine y televisión, numerosos títulos entre los que destacan Mi hija Hildegart (1977), Mambrú se fue a la guerra(1986), El viaje a ninguna parte (1986), adaptación
de una de sus novelas y un gran éxito, que consigue el Goya al mejor director y mejor guionista, y en esa misma edición, logra el Goya al mejor actor por Mambrú se fue a la guerra.
Como autor teatral destaca su obra Las bicicletas son para el verano (1978).
De sus últimos trabajos en cine destacan: El abuelo (1998) de José Luis Garci,Todo sobre mi madre (1999) de Pedro Almodóvar, Plenilunio (1999) de Imanol Uribe, La lengua de las mariposas (1999) de José Luis Cuerda, Visionarios (2001), de Gutiérrez Aragóno El embrujo de Shanghái (2002), con Fernando Trueba.
Todas estas interpretaciones le hicieron aumentar su prestigio, consiguiendo el Oso de Plata del Festival de Berlín al mejor actor por su interpretación en El anacoreta y Stico.

Pedro Almodóvar, 1949

Director de cine, guionista y productor español, el que mayor aclamación y resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas desde el cineasta Luis Buñuel. 

Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre otros dos premios Óscar, en diversas categorías y varios Premios Goya. 

En 2017 es el presidente del jurado del Festival de Cannes. 

Sus películas muestran su tendencia al protagonismo de personajes femeninos, generalmente mejor construidos e interesantes que sus caracteres masculinos. 

Formó parte de la denominada movida madrileña de los 80. 

Provocador y estiloso, tan influenciado por Luis Buñuel como por Alfred Hitchcock, las películas de Pedro Almodóvar, pivotando en singulares personajes, historias camp y apariencia kitsch que confluyen en torno a sus habituales obsesiones sexuales, socioculturales y religiosas, muestran 

también una distintiva perspectiva de las costumbres y tradiciones españolas, expandiendo su propio universo en base a diversos géneros, abordando tanto la comedia negra, como el melodrama, el thriller o el drama social, con lugares para la sátira, la farsa o el esperpento… 

Tras “Entre Tinieblas” (1983), una delirante farsa religiosa, Almodóvar logró su primer gran título con “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” (1985), una tragicomedia social protagonizada por Carmen Maura que reflejaba los afanes de la vida cotidiana de una ama de casa. 

“Matador” (1986), “La Ley Del Deseo” (1987), pasional, rocambolesca historia en base a un triángulo gay. 

En “Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios” (1988) Almodóvar atemperó sus aristas más sexuales y creó una divertida farsa plagada de curiosos personajes. consiguiendo una nominación al Oscar como mejor película de habla no inglesa.

Los maravillosos títulos de crédito de Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios (1988) son el resultado de la primera colaboración entre Pedro Almodóvar y Juan Gatti. 

Títulos de crédito de Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios (1988)

Collages hechos con imágenes extraídas de revistas de moda femeninas. Con ellos, Pedro Almodóvar pretendía mostrar desde el principio el tema y el estilo de la película: alta comedia sobre el universo femenino.

Para Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios (1988) Pedro Almodóvar volvió a contar con Juan Gatti. Recurriendo de nuevo a las antiguas revistas de moda y al mundo del glamour cincuentero, Juan Gatti logró una pieza creativa capaz por sí sola de revitalizar el género de los carteles y de los títulos de crédito en todo el mundo.

Cartel de Mujeres Al Borde De Un Ataque De Nervios (1988)

Con “Tacones Lejanos” (1991) consiguió el premio César francés a la mejor película extranjera, otras películas
son “Kika” (1993), “La Flor De Mi Secreto” (1995) “Carne Trémula” (1995)…
Todo Sobre Mi Madre (1999) supuso su consagración como
autor, logrando el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, mejor director en el Festival de Cannes, mejor director en los premios del Cine Europeo, y siete premios Goya, entre ellos el de mejor película y mejor
director.

Rememoró su infancia en Volver (2006), película que supuso una especie de “reconciliación” entre Almodóvar y la academia de cine española (le fueron concedidos cinco premios Goya), así como su reencuentro con la actriz Carmen Maura. Además, esta obra continuó la tendencia de éxito internacional, tanto de él como de su actriz principal, Penélope Cruz, quien junto al resto del reparto femenino del film fue galardonada en el Festival de Cannes. Recibió también otros dos importantes galardones nacionales: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el 2006 y el Premio Terenci Moix en el 2007.

Alejandro Amenábar, 1972

Es un director de cine, guionista y compositor chileno-español.Ganador de nueve premios Goya y un Óscar.

A comienzos de los años 90 con varios cortometrajes recibió sus primeros galardones en diversos festivales especializados.

En estas películas se apreciaba su inclinación al thriller y las influencias de Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick o Steven Spielberg, fundamentándose principalmente su carrera en títulos de suspense, como “Tesis” (1996), su primer largometraje…

Por “Abre Los Ojos”, película candidata al Goya como mejor film español del año, Amenábar recibió una nominación como mejor director y como mejor guionista.

Tom Cruise, encantado con “Abre Los Ojos”, se ofreció al director para producirle su siguiente trabajo, que se materalizó en la película de fantasmas “Los Otros” (2001), título protagonizado por Nicole Kidman que consiguió una excelente acogida internacional y el Goya a la mejor película, logrando también el galardón al mejor director y al mejor guión original, además de una nominación a la mejor música.

El drama “Mar Adentro"(2004) fue una película de nuevo escrita entre Amenábar y Gil, con montaje del propio director, que se basaba en las vivencias del parapléjico Ramón Sampedro con el protagonismo de Javier Bardem. La película ganó el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película

de habla no inglesa y catorce premios Goya, entre ellos mejor película y mejor dirección.

Más tarde dirigió “Ágora” (2009), film de carácter histórico ambientado en Alejandría y en los tiempos del primer cristianismo. Gira en torno a la figura de la astrónoma Hipatia encarnada en la película por Rachel Weisz. 

Y en 2015 estrenó el thriller psicológico “Regresión”, film con el protagonismo de Ethan Hawke y Emma Watson.

Álex de la Iglesia, 1965

Es un director, guionista y productor español. Aficionado a los comics, comenzó a escribir historietas en su adolescencia.

El 1991 estrenó el corto “Mirindas Asesinas” (1991), que logró llamar la atención de los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar, quienes le produjeron su primer largometraje, “Acción Mutante” (1993), un cruce de comedia negra, sátira y

ciencia-ficción que consiguió varios premios Goya en apartados técnicos (maquillaje, efectos especiales y diseño de producción).

La comedia negra es habitual en su carrera. Con rasgos de terror resulta apreciable en “El Día De La Bestia” (1995), film sobre el Anticristo con Santiago Segura y Álex Angulo por el que el cineasta ganó el Goya al mejor director español del año.Argumento:
Ángel Berriatúa es un sacerdote vasco que cree saber el mensaje que oculta el Apocalipsis según el evangelista San Juan. En su misión de evitar que el Anticristo nazca, se cruza con José María, un fanático del Death Metal. Junto con un presentador de un programa de ciencias ocultas tratan de averiguar el lugar donde tendrá lugar el acontecimiento.

Otras películas interesantes: 
"La comunidad" (2000),"Crimen ferpecto" (2004),"Balada triste de trompeta" (2010), "El bar" (2017), "Perfectos desconocidos" (2019).