Cine. Comedia ácida

ERNST LUBITSCH
“To be or not to be”

Ser o no ser (1942) es, junto a El gran dictador (1940, Charles Chaplin), la parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo.

Argumento: 

En la Polonia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de actores de teatro de recursos limitados realizan interpretaciones en las que ridiculizan a los nazis. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes. En vez de la Gestapo, tendrá que ceder ante las presiones políticas y hacer, en su lugar, la representación del clásico de Shakespeare “Hamlet”.

Tuvo la valentía de abordar los conflictos de su tiempo desde el humor e ironizar sobre alguno de los rasgos más deleznables del ser humano. Todo eso sin perder de vista al público, confiando en su inteligencia y garantizando su disfrute. Es una comedia sofisticada cuyo objetivo principal es la evasión y la sátira política. Se desarrolla en un ambiente aristocrático, con un esmerado refinamiento estético, con diálogos brillantes, repleta de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, destaca la hipocresía latente en la sociedad.

El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.

• El cinismo que emana del tratamiento del conflicto bélico contrasta con el humor blanco que empapa las relaciones entre los personajes.
• Lo más curioso de Ser o no ser es donde reside la ironía. Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones.
• A parte del contexto político, esta película es un homenaje al teatro, a sus actores y a su vital labor de entretenimiento en un mundo que, en demasiadas ocasiones, sólo deja paso al horror.
• Admiración por Shakespeare, de gran influencia para Lubitsch, en concreto ‘Hamlet’ y su célebre monólogo existencial, e intemporal.
• Confusión entre realidad y ficción, entre la representación y la autenticidad.Interpretación magistral de los actores.

La película, exhibida en su tiempo como propaganda anti-nazi, ataca con perspicacia y sutileza a todo tipo de totalitarismo ideológico y político. Sobrepasando el mero calificativo de producto propagandístico coyuntural y permaneciendo como uno de los mejores ejemplos de comedia (fresca, entretenida, ágil, chispeante, corrosiva, repleta de brillantes diálogos…) que jamás se hayan realizado en la historia del séptimo arte.

Vídeos con alguno de los momentos más memorables.

Constructivismo ruso

Naum Gabo: Constructivismo y arte cinético

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Naum Gabo: “Construcción lineal en el espacio nº 2”, plexiglás y filamento de nailon.

Naum Gabo: “Bronce esférico”, 1960. Bronce fosforado sobre base de madera. Tate Gallery 

Naum Gabo: “Tema espiral”, 1941. Acetato de celulosa y plexiglás. Tate Gallery

A este escultor ruso, Naum Neemia Pevsner, que nació en Briansk en 1890, le debemos el impulso del nuevo movimiento dentro del arte, el que se produce tras la revolución rusa de octubre, el movimiento constructivista y la creación del arte cinético. La obra de Gabo se puede sintetizar en una búsqueda e indagación constante del espacio realizada de forma científica y la utilización de los nuevos materiales industriales, de manera especial los transparentes.En 1920 redactó el Manifiesto Realista junto con su hermano Anton, sentando las bases del constructivismo; en sus primeras líneas se dice: Dejemos el pasado a nuestras espaldas como una carroña. Dejemos el futuro a los profetas. Nosotros nos quedamos con el hoy.

EL MOVIMIENTO CONSTRUCTIVISTA, se caracterizó por la realización de esculturas a partir de materiales industriales. Las primeras obras que Naum Gabo realizó entre 1915 y 1917 son deudoras de la descomposición de volúmenes en planos del cubismo analítico. Naum Gabo pronto prescindiría de toda referencia figurativa para indagar en la introducción de factores hasta entonces inéditos en la escultura, como el movimiento (Construcción cinética, 1920) o la transparencia (Construcción en el espacio equilibrada entre dos puntos, 1925), ligados a la experimentación de los nuevos materiales industriales (acero, plexiglás, vidrio).

En 1912 visita a su hermano, Antoine Pevsner, en París, y al año siguiente entra en contacto con los expresionistas del Blaue Reiter en Munich. Pasó los años de la guerra en Oslo, donde se reunió de nuevo con su hermano; juntos realizaron sus primeras construcciones y a partir de entonces sus carreras se desarrollaron en paralelo.

Regresó a Rusia al estallar la Revolución de Octubre y se instaló en Moscú, compartiendo taller con Pevsner; mantuvo contactos con Kandinsky, Malevich y Tatlin, en un período de grandes discusiones teóricas. En 1920 realiza sus primeras construcciones cinéticas y redacta, con Pevsner, el Manifiesto Realista. En 1922 se le permite abandonar Rusia y se instala en Berlín, donde participa en la Primera Exposición de Arte Ruso, organizada por el gobierno soviético en la galería Van Diemen. En los dos años siguientes mantiene contactos con la Bauhaus de Weimar, que le invita a pronunciar conferencias y a colaborar en la revista.

En 1924 tuvo lugar en París la exposición Constructivistas Rusos: Gabo y Pevsner. Pinturas y Construcciones. Al año siguiente formó parte del comité director del Grupo de Noviembre. En 1932 se instala en París y se une al grupo Abstracción-Creación, y en 1939 se traslada a Londres y participa en la exposición Abstract Art of Gabo, Pevsner, Mondrian and Domela en el Wadsworth Atheneum en Hartford (Estados Unidos), y en la muestra Cubism and Abstract Art, organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York; en 1939 su obra está presente en Réalités Nouvelles en París.

La obra de Naum Gabo se caracteriza por una constante investigación espacial llevada a cabo de forma científica; se interesa por los nuevos materiales industriales, en especial los transparentes, que le permiten construir superficies regladas y desarrollables, elementos que materializan ecuaciones matemáticas tridimensionales y exploran el espacio entendido en su sentido metafísico.

ARTE CINÉTICO

El arte cinético es una corriente del arte en el que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo, y se caracteriza por la utilización de materiales industriales; lo que busca es la integración entre la obra y el espectador. Las primeras manifestaciones de arte cinético se deben a Marcel Duchamp en 1910, pero el nombre de arte cinético aparece por primera vez en 1920 en el citado Manifiesto.

Tipos de arte cinético: 

• Los estables, en los que el espectador debe rodearlos para percibir el movimiento 
• Los móviles (ya vimos los móviles de Calder, posteriores), obras que producen un movimiento real 
• Los penetrables, en los que el espectador debe entrar en la obra para recorrerla y así percibirla en su totalidad. 

Pictóricamente el arte cinético se basa en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana. Según el manifiesto solo la vida, sus leyes y sus movimientos incesantes pueden servir de base a un verdadero arte realista. En el manifiesto redactado por Gabo y Pevsner se atacan el cubismo y al futurismo por su incapacidad de crear el movimiento, la vida.

Naum Gabo: “Construcción lineal en el espacio nº 2”, plexiglás y filamento de nailon.

“Construcción lineal en el espacio nº 2”

 DIMENSIONES :Objeto: 1130 × 600 × 590 mm

Existe en más de veinte versiones, tanto de pie como colgadas. El filamento de nylon llamativo se enrolla alrededor de dos planos de plástico que se cruzan. El encordado da una delicada sensación de tres dimensiones en los patrones complicados creados por las formas irregulares del lóbulo del plástico transparente. Fue desarrollado a partir del proyecto no realizado de Gabo para el vestíbulo del Edificio Esso en Nueva York a fines de la década de 1940. Dos esculturas similares a 'Linear Construction No.2' fueron diseñadas para ubicarse en la parte superior de las dos puertas giratorias del vestíbulo, girando lentamente. Fue una de las obras favoritas de Gabo y se presentó a la Tate en memoria del historiador de arte Herbert Read.

Constructivismo ruso

 Anton Pevsner

Antoine o Anton Pevsner es junto a su hermano, el también escultor Naum Gabo, uno de los máximos representantes de la corriente artística del Constructivismo ruso.

Anton o Antoine Pevsner; Orel, 1886 - París, 1962. Escultor francés de origen ruso. Tras seguir estudios en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, viajó en 1911 a París, donde admiró los trabajos de Robert Delaunay, Albert Gleizes, Jean Metzinger y Fernand Léger. En una segunda visita a París, en 1913, conoció a Modigliani y a Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo. Durante la Primera Guerra Mundial permaneció en Oslo; volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú.

En 1920, Antoine Pevsner y su hermano Naum Gabo publicaron el Manifiesto Realista, en donde se afirmaba que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad. Las investigaciones de ambos artistas buscaban la expresividad propia de los materiales y las formas, independizadas de la naturaleza, pero también de cualquier otro condicionamiento externo, ideológico o social. En el manifiesto defendieron un constructivismo formalista frente al de carácter productivista. Las diferencias entre las dos opciones son ideológicas, pero ambas se fundamentan en un arte que incorpora los nuevos materiales industriales, y comparten además un mismo sentido de la belleza, hecho de planos articulados libremente en el espacio.En 1923 visitó Berlín, donde conoció a Marcel Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, Pevsner abandonó la pintura y se volcó en la escultura constructivista. Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930. En París, Antoine Pevsner y Naum Gabo lideraron la tendencia constructivista en Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto y al que también pertenecían escultores y pintores como Jean Arp, Piet Mondrian y Wassily Kandinsky. En los años treinta, las obras de Pevsner se expusieron en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

SUS ESCULTURAS. CARACTERÍSTICAS

Antoine Pevsner destaca por la utilización de nuevos materiales industriales (vidrio, plexiglás, metal, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en su obra Fuente realizada con plástico coloreado.

Antoine Pevsner exploró nuevos conceptos escultóricos centrándose sobre todo en el desarrollo de formas en el espacio. Esto es perfectamente observable tanto en Superficie desenrollable (1936, Colección privada, Bélgica) como en Proyección dinámica al grado 30 (1951, The Baltimore Museum of Art). La exploración de las conjunciones de planos y las tensiones e interacciones de las líneas de fuerza de sus composiciones geométricas fueron los factores primordiales de su investigación plástica y matemática, que, en lo que a los materiales se refiere, se asentó fundamentalmente en el uso de estructuras, láminas e hilos metálicos. Sus esculturas, construidas en gran parte con elementos metálicos, se organizan alrededor de un eje central, en torno del cual se acumulan estructuras y planos.

• Son esculturas científicas, basadas en estudios matemáticos y geométricos.
• Su finalidad principal es esculpir el espacio, el vacío, no solo con las formas sino también con materiales translucidos, con la simplicidad de las líneas.
• Las formas helicoidales aparecen en muchas de las obras.
• Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal en su investigación.

Columna de la Paz

Como su Columna de la Paz, de 1954, formada a partir de cuatro ángulos entremezclados y se distingue por los desarrollos helicoidales de superficies curvas formadas por varillas de bronce.
Después de la devastación y destrucción de siete años de combate y opresión, los europeos esperaban intensamente una paz duradera mientras reconstruían sus vidas y sus países. Column of Peace fue concebido como una maqueta para un gran monumento que nunca se completó. La escultura consiste en diagonales que se cruzan y se elevan hacia arriba. Para los espectadores familiarizados con los significados utópicos originales que subyacen al arte abstracto, el mensaje es de esperanza para el progreso. Cuando Pevsner concibió su Columna de la paz, este lenguaje abstracto era ampliamente entendido en el mundo del arte.

Germen

El mundo

Visión espectral

Fuente

Construcción con figura desarrollable

Columna desarrollada

Esta obra es un magnífico exponente de su producción. Se trata de una creación de 1942 titulada Columna desarrollada y que en la actualidad se expone en Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA). Esta obra de Columna desarrollada nos presenta sus habituales formatos helicoidales con superficies curvas. Unas formas que consigue a partir de la unión de varillas de bronce de tono oxidado. Un material que sin duda alguna fue su favorito y al que recurrió en innumerables ocasiones a lo largo de su vida artística.

Pero al mismo tiempo que opta por estos desarrollos geométricos en los que tan importante es la inspiración en la técnica, es indudable que su arte tiene un toque de magia, de cosmogonía por decirlo de alguna forma. Y por esa razón a finales de los años 40 en su producción aparecen obras como Mundo o Germen. Unas esculturas que no son más que los anticipos de lo que va realizar en los próximos años.

Una magnífica descripción de este tipo de arte fue la que dice que Anton Pevsner quiso materializar el espacio y espacializar la materia.

En definitiva, su arte tiene mucho que ver con el momento histórico en el que vivió, y sin duda el desarrollo tecnológico que por entonces se estaba llevando a cabo está íntimamente unido a sus esculturas, a las de su hermano y a todo el arte del Constructivismo ruso.