Este blog es el cuaderno de trabajo de las asignaturas Fundamentos del Arte
Dibujo Artístico y Técnicas Grafico Plásticas
para los alumnos de
2º de Bachillerato de Artes del
I.E.S. Joaquín Araújo de Fuenlabrada.
Profesora: Gema Cano Mercado
Este blog es el cuaderno de trabajo de las asignaturas Dibujo Artístico, Técnicas Grafico Plásticas
Nació en Tomelloso (Ciudad Real), en 1936. Se forma en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, entre 1950 y 1955 donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, Francisco López, Julio López con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña.
Estuvo becado en Italia donde conoció a los artistas Renacentistas.
En 1957 celebró su primera exposición en el Ateneo de Madrid. Se casa con la artista María Moreno, un pilar fundamental en su vida.
Fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo, filme en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa.
En 1993 fue elegido académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ha recibido varios premios como Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1985), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2000), Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2006).
Características de su pintura
En los años 50 su obra da un vuelco radical orientándose hacia la precisión realista. Se distancia del hiperrealismo norteamericano mediante la utilización de técnicas y métodos tradicionales y un lirismo intimista.
Temática. Abarca desde vistas madrileñas, retratos de la familia, objetos de uso cotidiano o elementos de la naturaleza.
Utiliza una técnica basada en un proceso largo y minuciosamente elaborado. No hay rastro de pincelada.
La temporalidad y el deterioro de lo material (vestimenta, objetos domésticos, fotos…) son notas que definen su estilo.
Son cuadros de grandes dimensiones.
La luz poética,el realismo mágico, intimista, etc. son rasgos distintivos de Antonio López y de la Escuela de Madrid.
“Desde el 60, pinto directamente del natural, y tengo la sensación de que nunca acabo los cuadros. Trabajo a partir del tema, añadiendo cosas, tratando de profundizar en él, pero el motivo tiene tal grandeza, es tan amplio y cambiante que nunca tengo la sensación de haber llegado hasta el final.” La explicación está en la emoción desde la que nace la obra, y en su relación con el motivo, que explica como un “diálogo con el natural”.
La realidad vista desde un lado cálido, emotivo, no como una imagen fría que se debe reproducir.
Lleva a cabo un minucioso estudio de la forma, de los detalles y una clara intención de plasmar la realidad de la manera más fiel posible.
Temática: panorámicas de Madrid, interiores, objetos domésticos, naturalezas muertas, la figura humana (la familia), flores en la etapa más reciente.
Pintor de Madrid
Está considerado como el pintor que mejor ha reflejado la imagen de la ciudad de Madrid y su periferia, sirviéndonos como un inusitado documento histórico de la transformación de la ciudad.La Gran Vía ha sido quizás el lugar que más le ha fascinado de la ciudad. Se pueden encontrar los lugares exactos desde donde ha pintado esas vistas que han cambiado nuestra propia percepción de esa calle que rompe el centro histórico de la capital para adentrarla en el siglo XX.
Gran Vía. óleo sobre tabla, 90,5 x 93,5 cm
Cronología: 1974-1981
Género : Paisaje
Técnica: óleo sobre tabla
Formato: 93,5 x 90,5 cm
Localización actual: Colección privada
El tema representa un paisaje urbano con gran detallismo de la calle Gran Vía. El pintor elige una hora temprana del verano, como marca el reloj las 6,30. Después de pintar guardaba el cuadro en una entidad bancaria ubicada en dicha vía y reanudaba el trabajo al día siguiente.
Muestra esta vía madrileña con una perspectiva que se inicia desde la calle Alcalá hasta perderse de nuestra vista casi en Callao. La ausencia de peatones y de vehículos CONCEDE EL PROTAGONISMO A LA PROPIA CALLE.
La composición es muy minuciosa, tarda 7 años en realizar el cuadro, con gran detallismo como se observa en los templetes del edificio que hace esquina y en cuyo centro figura la hora. Esto encaja en su concepción del arte para el que el proceso pictórico es de tanta importancia como la obra terminada. Según el propio artista, "una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades".
En el cuadro se equilibran los esquemas compositivos: verticales, en edificios, diagonales, horizontales como las cornisas y curvos como en el edificio de la esquina. Dos grandes triángulos contrastan en color y a la vez se armonizan : el de la parte baja de la calle y la parte superior y que se inician cerca del edificio de la Telefónica.
Tiene importancia el dibujo que delimita los contornos de los edificios o las marcas de la circulación.
La luz es de las primeras horas de un día veraniego por su calidez y tonos amarillos e incide en el fondo y en las parte de los edificios orientadas al este dejando al resto de la calle en la ligera claridad de las primeras horas del día.
Los colores varían desde grises, plateados, ocres, amarillos en el fondo y en las zonas altas que empiezan a destacarse según va incidiendo la luz. El cielo es de color marfil para representar el reciente amanecer.
El encuadre es bajo circunstancia que da protagonismo a la vía y a los edificios.
El cuadro tiene efecto de profundidad marcada por el estrechamiento de las líneas de la calle y por el foco de luz amarilla del edificio de la Telefónica que atrae nuestra mirada.
El ritmo se equilibra si por una parte nos lleva hacia el fondo por otra la flecha del sentido de la circulación del primer plano equilibra este movimiento.
Conviene remarcar que es una representación y no una fotografía: no hay circulación, es como un retrato de una calle de la que se ha quitado todo signo de vida ( circulación, transeuntes) representando su esencia, pero en la que muchos nos reconocemos por haber transitado por ella y ser parte de nuestra memoria colectiva.
Madrid desde Torres Blancas.Madrid desde la terraza Lucio.
Retrato de María. Lápiz. 1972. Antonio López
La cena. 1971-1980. Antonio López.
Mujer en la bañera. Antonio LópezLavabo y espejo. Antonio LópezFrigorífico. Antonio LópezFiguras en una casa. Antonio López Escultura
El Hiperrealismo es un movimiento artístico que surge en EEUU, en 1968 como respuesta a la frialdad del minimalismo y del arte conceptual. Alcanza la plenitud en los años 70 pero este estilo pictórico sigue vigente en la actualidad.
A finales de los sesenta, en Estados Unidos un grupo de artistas pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de sus obras. La consagración del movimiento, que hoy conocemos con el nombre de hiperrealismo, tuvo lugar en 1972 en la exposición titulada”Fotorrealismo, cuestionando la realidad”, celebrada en la V Documenta de Kassel.Los grandes maestros norteamericanos de la primera generación fueron Chuck Close, Richard Estes, Robert Cottingham, John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell, etc.
Precedentes
El hiperrealismo se desarrolló a partir de dos tradiciones artísticas: la pintura trompe l’oeil o Trampatojo (técnica de engañar al ojo) y la técnica meticulosa de superficies delicadamente acabadas de la pintura flamenca y holandesa desde los siglos XV al XVII. Pintores como Van Eyck o Vermeer han ejercido gran influencia sobre todos ellos, con su observación detallada de la realidad y en los pintores americanos de los años 1930.
Temas
Los temas más empleados son
Los espacios y objetos de la vida cotidiana.
Instantes de realidad congelados en el tiempo.
Paisajes urbanos, escenas banales y artículos de consumo
Fragmentos de la vida cotidiana en los Estados Unidos: Acristalados escaparates, restaurantes de comida rápida, relucientes motocicletas y coches, juguetes de hojalata, pinballs o frascos de especias, caramelos y salsas
Iconos especialmente significativos del hiperrealismo son los vehículos de todo tipo: automóviles, motocicletas, camiones, auto‐caravanas, trenes e incluso avionetas. Los vehículos significan movilidad, libertad y, por tanto, son una parte muy representativa de la sociedad estadounidense y de cómo se ve a sí misma. Además, los materiales utilizados en carrocerías, llantas o parachoques y los reflejos que se producen al recibir la luz les resultan fascinantes.
Estos motivos se captan primero a través de la fotografía y después se trasladan al lienzo mediante un laborioso proceso, utilizando recursos como la proyección de diapositivas o el sistema de trama.
Son obras generalmente de gran formato.
Pintadas con tal precisión, detallismo y exactitud que los lienzos parecen superar la realidad fotográfica.
Usaron la fotografía sin reparos, convirtiéndola así en un instrumento “legítimo”. Considerada como una forma objetiva de documentar el mundo. Partían a veces de fotos de revistas o periódicos pero pronto empezaron a captar ellos mismos las imágenes, una o varias que luego fusionaban en el cuadro. Hoy en día, son los programas informáticos y de arreglo fotográfico lo que les permite llegar hasta la minuciosidad propia de los maestros flamencos.
Los pintores hiperrealistas realizan un trabajo limpio, ya que no dejan marcas de pinceladas sobre el lienzo.
Aplican color por medio de veladuras y empastes con una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo que permiten apreciar una imagen poética.
Les fascinan las superficies metálicas de cristales y espejos que le permite recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos.
La figura humana es escasa.
Manipulan el encuadre, los colores, luces y reflejos para lograr una nueva realidad pictórica, que el artista la transforma en algo suyo.
Utilizan el óleo, pero también la pintura acrílica por su secado rápido y su limpieza.
Richard Estes,1932
Comienza en Nueva York a trabajar en sus característicos paisajes urbanos en donde los automóviles, la forma de vestir, los carteles publicitarios, el metro, los puentes sobre el Hudson, Central Park y los escaparates representan el ambiente de la "Gran Manzana" y de una época.
Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. También reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento.
Richard Estes. Cabinas telefónicas, 1967-68
El efecto ilusionista de las composiciones de Estes sugiere que han sido copiadas directamente de una fotografía, pero realmente éstas surgen de la combinación de varias tomas fotográficas que él mismo realiza in situ, pero que no le interesa copiar de forma literal, sino manipularlas y reconstruirlas para crear una imagen que, aunque sea científicamente incorrecta, parezca real al ojo humano; una imagen realista pero que no se corresponde en luz, color o elementos casuales a ningún momento determinado.
Richard Estes. En el Ferry de Staten Island mirando hacia Manhattan (L'Embarquement Pour Cythere), 1989. Óleo sobre lienzo 100.3 x 185.4 cm.
Paisaje urbano. Richard Estes Chuck Close,1940
Pinta sus famosos retratos poniendo una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 x 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968.
Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que utilizó pintura tan diluida en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.
Los retratos de Close son gigantescos, son rostros que miran al espectador sin ningún tipo de emoción ni movimiento. Vistos desde cierta distancia poseen una gran veracidad fotográfica, pero de cerca se llenan de incontables marcas. Desde los años 70 empezó a incluir toda la paleta de colores.
