Este blog es el cuaderno de trabajo de las asignaturas Dibujo Artístico, Técnicas Grafico Plásticas

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viernes, 8 de mayo de 2020

Santiago Calatrava. Espectacularidad y polémica





Santiago Calatrava, Valencia, España,1951. Estudia Arquitectura en la Escuela de Técnica Superior de Arquitectura de Valencia donde después de graduarse realizó un curso de post-graduado en Urbanismo. Estudio Ingeniería Civil. 


Entre 1979-1981 obtuvo un doctorado en Ciencia Técnica en el departamento de Arquitectura en Zurich.

Empieza su practica como ingeniero y arquitecto. En 1983 realiza su proyecto de el Balcón Baumwollhof.

Se le considera como uno de los arquitectos especializados en el diseño de grandes estructuras ya que, gracias a sus amplios conocimientos en ingeniería y arquitectura, ha creado obras reconocidas mundialmente.

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra de arte viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos. Fusiona arquitectura, ingeniería, escultura y se inspira inspiración en las formas de la naturaleza. El blanco es su color símbolo. Los diseños se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

Las formas de su obra se inspiran en formas vegetales y animales, para crear estructuras con un toque orgánico con la intención de infundirle vida al edificio y convertirlo en algo único.

Le influyen el arte Romano, el Gótico, Miguel Ángel, Gaudí, Picasso, el racionalismo y el organicismo.


ALGUNOS DE SUS PROYECTOS:

  • Auditorio de Tenerife 
  • Turning Torso 
  • El Puente de la Mujer, Buenos Aires 
  • Palacio de Congresos de Oviedo 
  • Intercambiador de transportes del World Trade Centre, NY 
  • Puente Haarlemmeermer, Holanda 
  • Tabourettli Theatre, Suiza 
  • Puente Felipe II, Barcelona 
  • Puente 9 de Octubre, Valencia 
  • Puente Alamillo, Sevilla 
  • BCE Place, Toronto

La Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia 
Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia 
Es la construcción más conocida y mayor del autor.

Está formada por un conjunto de edificaciones colosales y antropomórficas: l’Hemisfèric (1998), el Museo Príncipe Felipe y l’Umbracle (2000), el Palau de las Artes (2005) y l’Àgora (2009).

La Ciudad de las Artes es importante por su inspiración orgánica (estructuras-esqueleto, pieles-carcasa, naves, espejos de agua,…), su desmesura y su poética repetitiva, su plasticidad y expresividad.

Destaca el uso de materiales característicos del arquitecto como hormigón blanco, acero, trencadís, blanco y azul,…, que definen esa nueva y grandiosa monumentalidad que caracteriza tanto la obra como el depurado vocabulario biomórfico del valenciano, al que tanto rédito icónico ha sacado Valencia.

En el conjunto prima apariencia escenográfica y puramente visual, su papel lúdico, mediático y lugar para el espectáculo, la publicidad y la promoción, en perjuicio de la solidez temática inicial. Aunque quizá, por ello, ha logrado convertirse en el principal centro de atracción turística de la capital.

La polémica acompaña la obra de Calatrava


El proyecto inicial se transformó, no se construyó la Torre de Comunicaciones, tiene serias dificultades de climatización, insonorización y control lumínico, carencias medioambientales y en cuanto a la eficiencia energética de un complejo, al que habría que añadir importantes medidas de seguridad (escaleras de evacuación,…).la obra se retrasó y el presupuesto se disparó, pese a la polémica, La Ciudad de las Artes y Las Ciencias es un icono de Valencia como capital mediterránea.

Una vez más, el sobrediseño y el constante desafío dimensional y escultórico convierten sus estructuras-esqueleto llevadas al límite en un fascinante alarde escenográfico, sin el que, quizás, la Ciudad de las Artes ni sería el paradigma y símbolo de la Valencia de los grandes eventos: America’s Cup, Formula 1, Open de Tenis,…, ni gozaría de esa mágica capacidad para sorprender y emocionar.





Puente del Alamillo

El puente del Alamillo fue diseñado y construido entre 1989 y 1992 con motivo de la Expo´92 de Sevilla.

El proyecto se presenta como un «proyecto incompleto» de la Expo ‘92, ya que debía de ser aún más espectacular. La idea inicial comprendía crear un hermano gemelo, un puente idéntico inclinado de forma opuesta en el otro cauce del río Guadalquivir. De este proyecto inicial, sólo pudo erigirse uno, pues el presupuesto no concebía el par.

Como en casi toda la obra de Calatrava, existe una cierta polémica sobre la obra, en concreto sobre su estructura.

A pesar de que el mástil se concibe como el elemento que equilibra el puente, tal y como se explica en el apartado «estructura», parece ser que en realidad el puente es autorresistente. La prueba está en que los cables que sustentan la obra no se encuentran tensos en la parte superior de dicho mástil, al contrario de lo que podría parecer.
Situación

El puente del Alamillo se encuentra en la ciudad de Sevilla, Andalucía, España.

Atraviesa el río Guadalquivir.

Concepto
Tiene figura de arpa y un sólo brazo soporta todo su peso.
Descripción
Con la ejecución de ese proyecto de Santiago Calatrava, se consiguieron los siguientes objetivos:
Salvar la dársena sin ningún tipo de apoyo intermedio, integrar la margen derecha en Sevilla y generar una gran superficie de agua sin ningún tipo de obstáculo, llegando con estas premisas a una luz de 200 m, que entra en el dominio técnico de los puentes atirantados.
El establecimiento de una conexión eminentemente urbana y que sirve como un hito al desarrollo tecnológico alcanzado y una muestra del estado de la técnica de la construcción en el país.
Construir un puente que es un símbolo de la Exposición Universal y un nuevo monumento digno de la ciudad de Sevilla.
El remate del mástil es en realidad un mirador. Su acceso se realiza por una escalera que recorre el interior del mástil. Se ha reservado espacio para la maquinaria de un futuro ascensor panorámico exterior, y se han construido las puertas de conexión entre ascensor y escalera interior. Como es habitual en los puentes de Calatrava, existe una zona peatonal, en este caso central, separada del área de circulación de vehículos.
Su integración en el paisaje enriquece el entorno urbano del lugar, realizándose a base de unas formas totalmente ligeras que evitan en todo momento la idea de puente como elemento estático, destacando por su impresión de movimiento y por su avanzado diseño, combinación de tecnología, ingenieria y arte escultórico. Tiene figura de arpa y un sólo brazo soporta todo su peso.
Estructura
Es un puente atirantado de pilón contrapeso.
Ostenta 140 metros de altura con una inclinación de 58º, del que parten una pareja de tirantes que lo sujetan (de 300 m. de longitud, los más largos del mundo en su momento) y salvan una luz (distancia entre los puntos de apoyo) de 200 metros.
Para su construcción se empleó una de las mayores grúas de tierra del mundo en aquel entonces, capaz de levantar 200 Tm a 150 mts de altura.
Entre el mástil y el tablero se produce un equilibrio de fuerzas, que se transmite por los 13 pares de tirantes.
Su principio de funcionamiento es el de una balanza en el que el equilibrio se obtiene mediante el desplome del mástil, en un ángulo de 58º sobre la horizontal.
Es considerado el primer puente sustentado por cables, en el que la plataforma se equilibra con el peso de la torre inclinada hacia atrás.
Tiene una longitud total de 250 metros.
Materiales
  • Mástil: Mástil de placas de acero hexagonales, reforzado en su interior por hormigón armado.
  • Tablero: El tablero esta diseñado con una estructura metálica, y se compone de un cajón central y de forma hexagonal donde se encuentran los anclajes activos de los tirantes. De este cajón parten unas costillas metálicas de 4 metros, a ambos lados, sobre las que se apoya una losa de hormigón que forma el tablero por donde debe circular el tráfico rodado, son dos calzadas de tres carriles cada una.
  • Mástil y tablero se empotran en un pedestal macizo de hormigón, cimentado mediante 54 pilotes de 2 m de diámetro y 48 m de profundidad. Con estos pilotes se consigue compensar los movimientos ejercidos por el mástil y el tablero.
  • El empotramiento se realiza a través de las correspondientes transiciones entre el hormigón armado y el metal.
  • Cables: Los cables están formados por 60 torones de 0’6 pulgadas de diámetro cada uno, excepto la última pareja, de 291 m de longitud, que constan de 45 torones. Los torones van protegidos por resina epoxi, y el cable está envuelto por una vaina de polietileno de alta densidad inyectado en las zonas de anclaje.
  • Tipos de Anclaje: El anclaje activo tiene lugar en la parte inferior, en los laterales del cajón central del tablero. El anclaje pasivo se sitúa en la cara en desplome del mástil, que compensa con su propio peso los esfuerzos de flexión originados por los tirantes, ya que no hay cables de retenida.
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Puente de la Mujer
Auditorio de Tenerife
Turning Torso
Ágora
Intercambiador de transportes del World Trade Centre
Recursos


Página Oficial del Arquitecto:

jueves, 16 de abril de 2020

Arquitectura de la segunda mitad del siglo XX



La arquitectura racionalista, que dio paso al Movimiento Moderno, entra en crisis a partir de los años 60 del siglo XX. 
Se inicia un proceso de renovación que defiende que la arquitectura no sólo tiene que construir edificios de volúmenes puros, fríos, “una máquina para vivir” sino que tiene que ser un espacio donde disfrute el inquilino y permita la creatividad e imaginación del arquitecto.

En la década de los 60 surgen tendencias arquitectónicas diferentes: Brutalismo, Metabolismo, Neorracionalismo, Neoexpresionismo o Neoorganicismo.

En los años 80 esta disparidad, confluyen en dos tendencias: el Postmodernismo y el movimiento Tardomoderno, dentro de este movimiento se incluyen el High- Tech y Deconstrucción.

The Portland Public, 1982 de M. Graves. Posmoderno.


La Arquitectura Posmoderna

En los años setenta y ochenta, arquitectos como Philip Johnson o Michael Graves, rechazan la frialdad del racionalismo y sus edificios reiterativos y apuestan por una arquitectura variada, imaginativa, más acorde con el mundo actual. 
En sus edificios hay referencias historicistas y clasicistas que lo aproximan al lenguaje popular, entendible aunque tiene algo de Kistch. 
Construyen espacios ambiguos, ángulos oblicuos, fachadas rotas y ornamentadas, colores fuertes, etc. como The Portland Public, 1982 de M. Graves o Los espacios de Abraxas, París de Ricardo Bofill.

Rafael Moneo

Arquitecto español con gran prestigio internacional, es uno de los mejores representantes del Posmoderno, construye una arquitectura para hoy pero con un aire clasicista como vemos en el Museo Romano de Mérida,en la ampliación del Museo del Prado en Madrid o el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián.

Museo Romano de Mérida. Rafael Moneo



La Arquitectura Tardomoderna

Es, en realidad una continuación de la arquitectura Moderna. Utiliza el mismo vocabulario formal pero realza la tecnología, utilizándola como elemento estético. Para muchos es la barroquización de la arquitectura moderna. 
En el Tardomoderno, la decoración es la propia construcción como se ve en el Centro Pompidou de Richard Roges y Renzo Piano. Esta corriente tiene mucha fuerza en Japón, como en El Pabellón Sant Jordi de Arata Isozaki, construido para las Olimpiadas de 1992.


Centro Pompidou. París. Renzo Piano & Richard Rogers, 1972-77

lunes, 23 de marzo de 2020

Le Corbusier. Villa Saboya

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Construida en 1929 en Poissy, a las afueras de París, Villa Saboya es una de las contribuciones más importantes a la arquitectura del siglo XX. Es una moderna casa de campo representativa de la arquitectura Funcional o Racionalista y concebida como una entidad mecanizada acorde con la era industrial.
Le Corbusier es famoso por proclamar “La casa es una maquina de vivir”
Planifica, Ville Saboya según los cinco principios que toda construcción contemporánea debe tener para ser perfecta.

  • Los «pilotis»
  • El techo-jardín
  • La planta libre
  • La ventana corrida
  • La fachada libre: (liberada de elementos estructurales/ todos los lados igual de importantes)





OTROS PROYECTOS

Diecisiete proyectos diseñados por Le Corbusier, y repartidos en siete países del mundo (incluyendo Argentina), fueron incorporados por la UNESCO a la lista de Patrimonio de la Humanidad. Esta designación ayudará a la protección y conservación de las obras para las futuras generaciones, debido a su especial valor cultural o físico. Web Plataforma de Arquitectura

Unidad de Habitación. Marsella
Le Ronchamp. Fondation Le Corbusier
Recursos:

Mies Van Der Rohe. Pabellón de Barcelona

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Pabellón Alemán. Barcelona. Mies van der Rohe. Arquitectura Funcionalista. 1929
El Pabellón Mies van der Rohe es una de las obras más emblemáticas de Ludwig Mies van der Rohe y un referente clave de la arquitectura del siglo XX. El famoso Pabellón Alemán fue diseñado para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 y reconstruido en 1986 en su ubicación original. 
Fue concebido para albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas.

El Pabellón fue la carta de presentación al mundo del movimiento arquitectónico moderno y de Alemania después de la Primera Guerra Mundial Originalmente llamado Pabellón Alemán, posteriormente renombrado Pabellón de Barcelona.
Su innovadora estructura arquitectónica marcó un cambio importante en la distribución del espacio y tuvo una gran influencia en el desarrollo de la arquitectura moderna. En el Pabellón se expone la Silla Barcelona, también diseñada por Mies van der Rohe, junto con una reproducción en bronce de la escultura Morning de Georg Kolbe.
Mies entendió el Pabellón como un edificio en sí, como un lugar de tranquilidad en el cual poder refugiarse del bullicio de la exposición, transformado el mismo pabellón en una escultura habitable. 
Es un edificio importante en la historia de la arquitectura moderna, ya que en él se plasman todas las ideas del entonces naciente Movimiento Moderno con más libertad que en otras obras,
Su única función era difundir estas nuevas ideas, así como el uso de nuevos materiales y técnicas en la construcción.
Materiales: acero en la estructura, mármol, traventino en el zócalo, mármol amarillento en la pared, cristal.
Se levanta sobre un zócalo de traventino.

Estructura

Predominio de planos perpendiculares, de líneas rectas, espacios geométricos pero diáfanos.
La distribución de las paredes en el interior invita al movimiento y a descubrir otros espacios dentro del edificio:
  • El patio de recepción: donde se funde el agua del estanque que actúa como un espejo, el muro cristalera que invita a entrar y el muro opaco que esconde el interior.
  • El espacio interior dividido en planos con muros de distintos materiales e iluminado con la luz que entra a través del acristalamiento del perímetro exterior.
  • El patio trasero. Éste cerrado por paredes y con la presencia, nuevamente, de un espejo de agua sobre el que se encuentra la estatua Alba, de Georg Kolbe.
  • Techumbre alquitrabada de escasa altura.
  • Espacio lujoso, grato a los sentidos, invita al descanso y reflexión.
El pabellón, junto a obras como la Bauhaus, de Walter Gropius y la Villa Savoye, de Le Corbusier, es uno de los edificios fundamentales de la arquitectura moderna. 
Fue desmontado al finalizar la exposición, en 1930, pero con el tiempo esta obra se convirtió en un referente clave para la historia de la arquitectura del siglo XX, así como para la trayectoria de Mies van der Rohe, por ese motivo en 1980, e impulsado por el arquitecto catalán Oriol Bohigas, se empezó a gestar en el ayuntamiento la idea de reconstruir el edificio en su emplazamiento original. Los trabajos empezaron en 1983, y la reconstrucción se inauguró en 1986.

Recursos:

Vídeos:




EL Racionalismo o Funcionalismo. LA BAUHAUS






El racionalismo es el resultado de la síntesis de muchas de las ideas de las vanguardias. No se impone en la sociedad hasta después de los cambios políticos y sociales producidos por la crisis posterior a la I Guerra Mundial, especialmente en Alemania.
Personalidad clave en esta transformación fue Walter Gropius (1883-1969) y la escuela de arquitectura creada por él en 1919 en la ciudad de Weimar, denominada La Bauhaus o "Casa de la Construcción”.
Su idea fundacional fue crear una escuela que ofreciese teorías, pero también proyectos prácticos, que diesen solución, bajo presupuestos racionales y económicos, a los problemas de la vivienda y del urbanismo en las nuevas ciudades.
El término funcionalismo proviene de asumir la máxima acuñada a finales del siglo XIX por Louis Sullivan en la Escuela de Chicago "la forma debe seguir a la función", indicando con ello que había que preocuparse más de la comodidad de los que habitaban los edificios que de la belleza estética. 
Antes de esa fecha, Gropius había trabajado en el despacho de Peter Behrens uno de los arquitectos que trabajaron para dignificar las edificaciones fabriles. Inspirado en su obra y ya instalado por su cuenta, diseñó uno de los edificios más innovadores y transcendentales para la evolución posterior de la arquitectura, la fábrica Faguswerk en Alfeld an der Leine (1911-1913).
El uso extensivo que hizo del vidrio, en especial en la esquina saliente de la fachada lateral produce un efecto de gran ligereza y transparencia y anuncia los presupuestos teóricos de La Bauhaus.

Walter Gropius, y A. Meyer. Fábrica Fagus Shoe
Sedes de la Bauhaus:
Weimar, 1919-1925
Dessau, 1925-1932
Berlín, 1932-1934
Directores de la Bauhaus:
Walter Gropius
Hannes Meyer
Ludwing Mies van der Rohe

La Bauhaus es la creadora del diseño industrial y gráfico tal y como se conocen hoy en día y tuvo un enorme impacto en todas las manifestaciones artísticas y arquitectónicas posteriores.
Principios fundamentales de la Escuela Bauhaus
  • Funcionalidad. La forma sigue a la función. Este principio es heredado del arquitecto norteamericano Louis Sullivan Se intenta resolver el diseño con el mínimo de adornos decorativos y se busca armonía entre la función y los medios de fabricación (técnicos y artísticos).
  • Simplicidad. Se resaltan la simplicidad de la línea y de las formas con líneas rectas y curvas suaves. Formas geométricas, abstractas y simples para crear objetos de diseño novedoso y contemporáneo.
La primera Bauhaus comenzó en una línea expresionista, dominante en Alemania en esta época. Pero a partir de 1922, se decantó hacia el influjo de las geometrías simples, fruto de los cursos que impartió Van Doesburg de De Stijl en Weimar y la incorporación a la escuela de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano al constructivismo ruso de Tatlin. 
Esta nueva tendencia se reflejó en el texto de Gropius “Idea y estructura de la Bauhaus estatal de Weimar” (1923), pero alcanzó su expresión arquitectónica en la nueva sede de la escuela en la ciudad de Dessau (1925-1926), a donde hubo de trasladarse por motivos políticos en 1924.
Gropius. Maqueta y planta del edificio de La Bauhaus en Dessau. 1925-26. 

En Dessau ya aparecen todos los presupuestos significativos de la escuela, que podemos resumir en: 

  • 1. Un diseño funcional. El edificio constaba de los locales de la propia Bauhaus, una escuela municipal de formación profesional y viviendas para el director, los profesores y los estudiantes. Gropius separó cada función en un volumen prismático individual con entrada independiente: el más espectacular, por su fachada de vidrio, alberga los talleres; otro contiene las aulas de la escuela profesional, y el tercero, más alto, agrupa los estudios de los alumnos. Los dos primeros están unidos por un cuerpo elevado sobre una calzada en el que se encuentran la administración y el despacho del director. A su vez, talleres y estudios se conectan mediante un cuerpo bajo ocupado por el salón de actos y la cantina. 
  • 2. La simplificación de las estructuras arquitectónica. No hay ni una concesión a la decoración, para no enturbiar la pureza de líneas y el diseño práctico. Las paredes son lisas dejando ver cara vista el material de construcción. El color que predomina por tanto en el exterior como en el interior es el gris del hormigón, que a lo sumo se pinta de blanco. 
  • 3. El uso de líneas ortogonales y de volúmenes geométricos. Coincide con el Neoplasticismo en el gusto por combinar espacios cuadrados y rectangulares y con el Cubismo en que ambos intentan representar a los objetos desde varios ángulos de forma simultánea. Es decir, en los nuevos edificios se alternan las formas verticales con las horizontales: los soportes verticales conviven con azoteas horizontales en vez de tejados; las ventanas son apaisadas. Se abandona el concepto de fachada principal con lo que todas las vistas del edificio importan. El resultado es una construcción asimétrica, que exige un recorrido a su alrededor para apreciar los escorzos siempre cambiantes. 
  • 4. La utilización del acero y del hormigón armado, sin encubrirlos, para los elementos sustentantes y sostenidos permite librarse de muros, compartimentaciones y soportes interiores innecesarios. Estos materiales abaratan el coste del edificio porque son de fácil fabricación y se hacen en serie. Esto será esencial para sus propuestas posteriores de construir viviendas standard a base de elementos prefabricados. También introdujo el uso de la carpintería metálica para las cristaleras en sustitución de la madera. El vidrio sirve de cierre exterior sustituyendo a la fábrica de piedra o ladrillo llenando de luz el interior y dando un aspecto flotante e ingrávido a los pabellones. 
  • 5. La decoración, la luz, el mobiliario, etc. también debían realizarse de acuerdo con principios racionales. De hecho en la escuela enseñaron como profesores pintores como Kandinsky y Paul Klee. La idea era revalorizar estéticamente los objetos utilitarios producidos por la maquinaria e integrar en el diseño común muebles, lámparas, tapicerías, sillas, carteles y letras de tipografía, etc. 


Gropius. Cristalera de los talleres.
En 1930 tomó la dirección de la escuela Mies van der Rohe (1886-1969), el arquitecto que más claramente representa el nuevo estilo. El Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 le había catapultado a la fama. El edificio consistía básicamente en un salón que pese a a extrema simplicidad compositiva se convirtió en un referente de la nueva arquitectura. 

Mies van der Rohe. Pabellón de Alemania en la Exposición Internacional de Barcelona, 1929. Reconstruido de nuevo en 1986 (detalle del lateral con el estanque). 
En 1932 nuevas presiones forzaron el traslado de la Bauhaus a Berlín, donde sólo duró nueve meses más antes de que los nazis la cerrasen definitivamente.
En 1933 se clausura la Escuela de la Bauhaus acosada por las turbulencias políticas de la Alemania de entreguerras, ya que los nazis veían la Escuela como socialista internacional y judía. Muchos de los integrantes de la misma se instalaron en Estados Unidos, y en 1937 fundan la Nueva Bauhaus en Chicago.



Cristobal Balenciaga


Cristóbal Balenciaga trabajando en Paris, 1968. Henri Cartier-Bresson © Henri Cartier-Bresson, Magnum Photos
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Cristóbal Balenciaga Eizaguirre (Guetaria, Guipúzcoa, 1895 – Valencia, de 1972), más conocido como Balenciaga, fue un prestigioso diseñador de moda español, considerado uno de los creadores más importantes de la alta costura, que desempeñó su trabajo principalmente en la ciudad de París donde se exilia durante más de tres décadas. 


Forjado desde sus inicios en el sistema de la Alta Costura (Haute Couture en francés), conocía a fondo a modistos, proveedores y clientas, poseía su propio y personalísimo ideario estético, patente a lo largo de toda su carrera, hasta el cierre de su taller en 1968.
Conviene recordar que la Alta Costura es el sector de la moda –específicamente parisiense- caracterizada por diseños únicos y exclusivos de gran calidad y elevado precio. Realizados artesanalmente, son creaciones firmadas y por tanto, de diseño original. La alta costura es el epítome del lujo.
Contemporáneo de Coco Chanel y Christian Dior, es el modisto de alta costura español más importante de la historia a partir de los años 50.

Su sentido escultórico -convierte a la mujer en una joya inserta en un impresionante estuche- y su estructura arquitectónica. 

Es austero, sobrio, purista y atemporal. Ello no es óbice para que inserte en sus diseños exquisitos bordados en seda, metal, lentejuelas o cristales.

Sus principales características:
  • El permanente homenaje a través de sus trajes al arte español (El Greco, Zurbarán, Velázquez, Goya, Zuloaga, etc.) y a la cultura española (toreo y flamenco).
  • La elegancia y feminidad que aúnan tradición con modernidad y vanguardismo. Fue muy innovador.
  • Las referencias a otras épocas artísticas como el Renacimiento, el Barroco o el siglo XVIII. Asimismo, le apasionaban los trajes regionales, desde Andalucía al País Vasco.
  • La calidad extraordinaria de tejidos, cortes y estructuras de sus trajes.
  • La riqueza de la paleta cromática de sus diseños. Fueron muy célebres sus trajes de noche de color negro, pero dominaba los rosas, rojos, azules, etc.
  • Concedía una gran importancia a los accesorios como tocados y joyas.
  • Tuvo un pleno dominio de la costura y del manejo de tejidos, posiblemente gracias a su madre, costurera de oficio.
  • Su mecenas y tutora fue la marquesa de Casa Torres.
  • Sus señas de identidad son tacón bajo, la falda por debajo de la rodilla y la manga tres cuartos.
  • Impuso un estilo totalmente innovador presentando una línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas redondas.
  • A partir de los años 50 empieza a ser reconocido y despliega toda su creatividad.
  • Manifestó predilección por los tejidos con peso, que se enriquecían con bordados a mano, lentejuelas o pedrería.
  • A finales de los 40 reinventó la silueta femenina con sus vanguardistas vestidos saco, las mangas tres cuartos, las faldas balón, el talle alto, las caídas en forma de túnica, y la manga murciélago, formas todas ellas sostenidas gracias a su magistral tijera y adornadas con grandes botones.
  • Destacan los vestidos negros, los abrigos cuadrados sin cuello ni botones, la manga japonesa, el vestido túnica o los impermeables transparentes.
  • Los colores fuertes de su infancia como el verde, el rosa o el rojo.
  • Su habilidad en crear volúmenes y formas fue asombrosa; daba a las prendas un acabado perfecto, casi escultórico.
  • Le influyeron los grandes maestros de la pintura española, especialmente Velázquez y Goya, aunque sus modelos también muestran influencias cubistas.
  • Para muchos su concepto de mujer es más oriental que occidental, tiende a dejar la nuca al descubierto (muy erótico en Japón).
  • Se le considera el padre de la alta costura, nunca trabajó para Prêt-à-porter a excepción de los trajes de azafatas de Air France.
  • Su clientela era la aristocracia y la realeza; diseñó el vestido de la reina Fabiola de Bélgica.
  • En el taller de Cristóbal Balenciaga se formaron muchos modistos, algunos de los cuales alcanzarían fama internacional y llegarían a tener firma propia. Entre estos se cuentan Paco Rabanne, André Courrèges, Emanuel Ungaro, Hubert de Givenchy u Óscar de la Renta.
  • La marca Balenciaga sigue con sus bolsos, zapatos, complementos, etc.
  • Se retiró a finales de los 60.
  • En el años 2001 el Grupo Gucci compra Balenciaga y a partir del año 2000 Nicolas Ghesquière relanza la marca Balenciaga.
  • Su obra se ha expuesto en varias exposiciones mundiales.
  • En Guetaria está el museo Balenciaga:
  • https://www.cristobalbalenciagamuseoa.com/

El elegante y sobrio vestido de la reina de los belgas, la española Fabiola de Mora y Aragón. 1960.
Vestido de noche de inspiración flamenca, Cristóbal Balenciaga, París, 1961. Fotografía de Cecil Beaton, © Cecil Beaton Studio Archive at Sotheby's.
Lisa Fonssagrives-Penn con un abrigo de Cristóbal Balenciaga, Paris, 1950. Fotografiada por Irving Penn © Condé Nast, Irving Penn Foundation.
Alberta Tiburzi, en un vestido de Cristóbal Balenciaga en 1967, Harper's Bazaar, June 1967 © Hiro 1967.



Detalle de uno de los tejidos de seda salvaje con bordados de Lesage, 1960, © Victoria and Albert Museum, London.

Vestido de línea imperio con mangas voluminosas.

Abrigos con manga japonesa.
Abrigo de Balenciaga con manga melón fotografiado por Irving Penn.


Vestido-saco, Balenciaga, 1957

Vestido "baby doll" diseñado por Balenciaga que perteneció a la marquesa de Llanzol, 1958

Conjunto de vestido y capa línea globo confeccionado en tafetan.


Vestido de noche de la tipología de "cola de pavo real" de 1957

La modelo Dovima con un impresionante vestido de Balenciaga, c. 1950, retratada por Richard Avedon.






































Cine, cine documental y ecologismo